Lo strumento trama serve per creare sfumature all’interno del nostro disegno. Si trova nel pannello di sinistra. Possiamo selezionarlo e trascinarlo all’interno del nostro disegno.

Creerà in struttura un incrocio che noi, attraverso i punti di ancoraggio, possiamo successivamente modificare per gestire arbitrariamente le sfumature.

Continuando a cliccare l’oggetto trama all’interno del nostro disegno, creeremo dei reticolati sempre più fitti che dopo andremo a colorare.

Per colorare i reticolati selezioniamo il Lazo dal pannello di sinistra. Catturiamo i punti che desideriamo e scegliamo tra i Campioni i colori per creare effetti voluminosi con luci ed ombre.

L'articolo Lo strumento trama in Adobe Illustrator proviene da Giuseppe Liberati.

All’apertura di Adobe Illustrator tutti i colori non sono globali, quindi se abbiamo la necessità di effettuare modifiche contemporaneamente tra quelli di uguale colorazione, non lo possiamo fare. Questo perché gli illustratori non hanno bisogno di cambiare colore frequentemente, a differenza dei creativi e dei grafici.

Per passare dai colori non globali a quelli globali, basta spostarsi su: Finestra/Campioni e selezionare quelli che ci interessano o anche tutti. Poi dal menù della finestra Campioni, in alto a destra, scegliamo: Opzioni campioni e mettiamo il flag a Globale. 

I colori globali possono essere modificati nella loro intensità (retinatura), scegliendo in alto: Finestra/Colore e cliccando dal menù: Opzioni colore.

Ovviamente se utilizziamo lo stesso colore campione in più parti della tavola, al momento che facciamo una retinatura, otteniamo contemporaneamente una modifica in tutte queste parti.

L'articolo Colori campioni globali in Adobe Illustrator proviene da Giuseppe Liberati.

In questo articolo disegnano la zucca di Halloween e aggiungiamo di seguito una parte di lettering. Scelgo la figura cerchio e la copio per due volte, trascinando gli oggetti, tenendo premuto il tasto alt. Dopo effettuo una selezione multipla dei tre cerchi premendo shift. Nel menù in alto clicco su finestra -> elaborazione tracciati, dopo di che verrà aperto un pannello; premo sulla prima icone per fondere le tre figure.
Utilizzo un colore di riempimento, in questo caso un arancione vivido. A questo punto deformo a piacere il perimetro della zucca utilizzando uno strumento nel menù di destra: lo strumento larghezza. Clicco sul punto del perimentro che voglio per deformare il bordo, trascinando con le relative maniglie.
A questo punto utilizzo lo strumento penna per creare delle zone di luce all’interno della superficie della zucca. Tolgo il colore della traccia. Copio più volte con alt il disegno delle zone di luce effettuato con la penna e se voglio posso ruotarlo, sistemarlo e modificarlo nella maniera più consona. Riempirò queste zone con un arancione più chiaro o giallo. Sempre con lo strumento penna creo un occhio, lo copio, lo inverto ( tasto destro -> trasforma -> riflessione) ed effettuo il riempimento di colore nero.
Adesso utilizzo lo strumento di sinistra: pennello tracciato chiuso, che vado a dimensionare nel pannello, facendo doppio click sull’icona. Eseguo un tracciato a mano libera e disegno la bocca di nero. Lo stesso facciamo per il peduncolo sopra.
Dopo creo un’ombra sottostante utilizzando lo strumento ellisse. La riempiamo con il colore nero; la traccia non ci interessa e quindi la tolgo. Porto l’oggetto ombra al di sotto degli altri oggetti utilizzando il tasto destro e scegliendo porta in secondo piano. A questo punto seleziono dal menù in alto: effetto -> sfocatura -> controllo sfocatura e seleziono un valore tra 40 e 50.
Adesso termino il lavoro inserendo un lettering, scegliendo un colore adeguato ed utilizzando lo strumento di sinistra: strumento ritocco testo, con il quale posso spostare e modificare i caratteri singolarmente, rendendoli editabili sempre come testo e non come immagini.

L'articolo La zucca di Halloween con Adobe Illustrator proviene da Giuseppe Liberati.

Vediamo come importare nel programma un’immagine raster (soggetta a sgranare: pixel) e con la tecnica del ricalco trasformarla in vettoriale (senza sgranature: formule matematiche). Esistono modi professionali e non, ma l’importante è che l’immagine di partenza sia accettabile. Possiamo renderci conto dello stato della foto visualizzando le caratteristiche dal pannello Collegamenti. 

La tecnica del ricalco più professionale prevede l’utilizzo dello strumento penna per andare a ricostruire l’immagine.

Importiamo la nostra immagine da ricalcare all’interno di Adobe Illustrator. Selezioniamo in alto File e dopo scegliamo la voce Inserisci. Adesso l’immagine si trova dentro l’area di lavoro. La sistemiamo utilizzando lo strumento Selezione, trascinandola attraverso le apposite maniglie che compaiono per farla combaciare con l’area di lavoro. Se teniamo premuto Shift l’immagine si scala mantenendo le proporzioni. Se necessario possiamo ruotare l’immagine con le maniglie stondate presenti agli angoli. Se teniamo premuto Shift l’immagine ruoterà di angoli precisi.

Adesso selezioniamo in alto Finestra e poi scendiamo fino a collegamenti. Comparirà una finestra con la nostra immagine. Clicchiamo sul menù a destra e scegliamo dall’elenco Incorpora immagine, includendo l’immagine nel nostro progetto; così se l’immagine originale verrà spostata la visualizzeremo lo stesso.

Adesso ci occupiamo dei Layers, cioè i livelli del disegno. Andiamo sul pannello di destra, clicchiamo su Layers, comparirà una finestra con tutti i livelli del nostro disegno. Rinominiamo il Layer su cui sta la nostra immagine importata, chiamandola ad esempio Immagine. Con il pulsante Create new Layer creiamo un nuovo Layer dal nome ad esempio Logo, cioè il livello dove andremo a disegnare. Rinominiamo anche quest’ultimo. Quindi abbiamo due Layers, uno per l’immagine di sfondo e uno sul quale disegneremo. Blocchiamo l’immagine di sfondo cliccando sul lucchetto e selezioniamo dal menù della finestra, in alto a destra, la voce Template. L’immagine sarà più chiara per focalizzarci su quello che disegneremo.

Adesso salviamo il nostro file come progetto Adobe Illustrator. Se ci sono parti dell’immagine di sfondo che non ci servono possiamo ritagliarle con la Maschera di Ritaglio. Nasconde gli elementi sottostanti e l’immagine di sfondo viene ritagliato dalla forma della maschera. Quindi creiamo un rettangolo che racchiuda la parte dell’immagine che vogliamo vedere, selezioniamo l’immagine ed il rettangolo. Andiamo in alto su Oggetto, selezioniamo dall’elenco Maschera di Ritaglio e adesso visualizzeremo solo la parte della maschera che vogliamo vedere. In qualsiasi momento possiamo effettuare modificare alla dimensione della maschera cliccando due volte su essa con lo strumento Selezione.

Adesso possiamo iniziare a disegnare sul Layer Logo utilizzando lo strumento penna o avvalendoci delle forme geometriche come gli strumenti: rettangolo, ellisse, ecc, decidendo lo spessore ed il colore del tracciato e del riempimento. Se vogliamo copiare forme geometriche possiamo cliccare sull’oggetto, premere Alt e trascinare l’elemento. Se invece vogliamo aumentare o diminuire una forma geometrica mantenendo le proporzioni possiamo trascinare l’oggetto dalle maniglie premendo Shift.

Per rendere il nostro lavoro più ordinato dobbiamo imparare a radunare o separare oggetti. Creiamo un nuovo Layer. Voglio che gli oggetti presenti nell’area di lavoro si muovano come un unico elemento. Li seleziono tutti poi vado sul menù in alto e clicco su Oggetti. Scelgo dall’elenco Raggruppare. Adesso se ne clicco uno si selezionano anche tutti gli altri. Ovviamente è possibile creare gruppi all’interno di altri gruppi, avendo nel layer tutti i gruppi e sottogruppi creati. Inoltre la funzione di raggruppamento può essere disabilitata anche scegliendo dal solito elenco Non Raggruppare. Esiste anche lo strumento Group Selection, cioè la freccia nera con il più in alto a sinistra. Se clicco una volta un elemento si seleziona solo quest’ultimo, se clicco due volte si seleziona il primo sottogruppo di questo elemento, se invece clicco tre volte si aggiunge un elemento; e così via fino a comprendere tutto il gruppo.

Adesso iniziamo a parlare dello strumento penna. Questo è uno dei principali strumenti di Illustrator per disegnare ad esempio un logo. Creiamo un nuovo layer che chiamiamo Penna. Apriamo la griglia, cliccando in alto su Visualizza e scegliendo dall’elenco Mostra Griglia. Abbiamo quattro funzioni per lo strumento Penna: Penna, Aggiungi Punto di Ancoraggio, Elimina Punto di Ancoraggio e Converti Punto di Ancoraggio. Se nell’area di lavoro, facciamo consecutivamente con lo strumento penna due volte doppio click, avremo creato una linea. Da qui possiamo realizzare svariate forme geometriche. Con lo strumento Selezione Diretta posso distorcere la figura trascinandola dagli angoli. Con lo strumento Aggiungi Punti di Ancoraggio posso aggiungere dei punti di ancoraggio all’interno dei lati che posso muovere con lo strumento Selezione Diretta. Con lo strumento Elimina Punto di Ancoraggio posso eliminare i punti di ancoraggio. Con lo strumento Converti Punto di Ancoraggio, clicco su un angolo, lo trascino e creo una curva. Lo stesso effetto lo ottengo se clicco su Selezione Diretta e poi sul Pannello di Controllo selezionando Converti Punto di Ancoraggio, creandosi una curva che posso spostare andando a lavorare sulle maniglie che compaiono ai lati dei punti di ancoraggio. Posso creare una curva anche dopo aver tracciato una linea con lo strumento Penna. In generale con lo strumento Selezione Diretta posso manipolare sempre la direzione delle curve. Se da un punto voglio proseguire con una linea retta tengo premuto il tasto Alt. Inoltre se creo un nuovo punto di ancoraggio, prendo lo Strumento Selezione Diretta e muovo una maniglia, si muovono entrambi i lati del punto di ancoraggio; se invece premo Alt si modifica solo il lato di cui sto modificando la maniglia.

Se voglio aumentare o diminuire la dimensione dell’immagine nell’area di lavoro mantenendo le proporzioni, clicco in alto su Oggetto, scelgo dall’elenco Tracciato e poi Traccia Contorno. Se scalo la figura le proporzioni rimangono inalterate ed abbiamo trasformato la linea in una forma piena con un riempimento. Infatti se prendo lo Strumento Selezione diretta, clicco su un punto di ancoraggio e lo modifico, abbiamo una figura geometrica e non una linea.

Esiste anche un modo automatico per rendere un’immagine vettoriale. Nel menù in alto clicchiamo su Oggetto e scegliamo dall’elenco Ricalco Immagine. A questo punto si apre una finestra dalla quale possiamo scegliere alcune impostazioni come: le modalità di visualizzazione, i risultati del ricalco, colori bassi o elevati, bianco e nero, scala di grigi, ecc. Quindi un’alternativa più veloce al ricalco manuale, ma sicuramente anche meno professionale. Il lavoro terminato può essere salvato come progetto Illustrator, come PDF o in altre estensioni.

Con gli strumenti visti ( linee, figure geometriche, punti di ancoraggio, strumento penna, maniglie, strumento selezione diretta e ricalco automatico) possiamo adesso modificare un’immagine per renderla vettoriale.

L'articolo Ricalco logo con Adobe Illustrator proviene da Giuseppe Liberati.

La costruzione del logo descritto in questo articolo è stata fatta con Illustrator. Questo programma della Adobe Creative Suite,  permette di costruire immagini vettoriali (che non sgranano ingrandendole perchè gestite da formule matematiche e non soggette al numero dei pixel come per le immagini raster di photoshop),  attraverso forme geometriche o attraverso degli strumenti di tracciatura fondamentali (detti per l’appunto vettori).

Iniziamo impostando nel menù in alto: visualizza -> righelli -> mostra righelli, per avere guide di riferimento che ci serviranno dopo.
Recupero l’elisse dalle forme geometriche nella barra di sinistra, con shift blocco la forma dell’oggetto potendolo ingrandire o rimpicciolire.
Per il momento il riempimento è di colore bianco e la linea di colore nero con uno spessore quattro punti di linea esterna impostato dalla barra di controllo.
Recupero un altro elemento geometrico, il poligono. Se premo shift la figura geometrica posa sulla base. Nella tavola di lavoro questa figura ha un piccolo rombo sulla sinistra che scorrendolo mi fa cambiare forma geometrica. Cambio in triangolo. Per il momento la posizione all’interno del foglio non è importante. Recupero un altro triangolo dalla barra di sinistra.
E’ importante sapere che per copiare forme geometriche possiamo selezionare l’oggetto e trascinarlo tenendo premuto alt sulla tastiera. I due triangoli saranno le orecchie del gatto.
E’ possibile sempre visualizzare lo scheletro del lavoro, la figura che io ho disegnato, con: visualizza -> contorno.
Inoltre adesso fondiamo le tre figure geometriche, i due triangoli ed il cerchio con: finestra -> elaborazione tracciati e poi scegliamo tra i metodi forma. Ovviamente in: visualizza -> contorno posso vedere ancora lo scheletro ed effettuare modifiche sulla figura geometrica se cambio idea su qualcosa. Questo lo posso fare con la selezione diretta, cioè seleziono la freccia bianca e così posso fare dei cambiamenti all’istante, anche alle dimensioni degli oggetti, agendo sulle maniglie. Perciò con la freccia nera si lavora nella totalità e con la freccia bianca si lavora sul singolo oggetto.
Adesso costruisco gli occhi, seleziono due ellissi, gli do riempimento bianco e contorno nero e  dopo inverto se voglio. Li ridimensiono a grandezza occhi. Posso togliere il bordo bianco. Con la freccia bianca posso modificare l’oggetto andando ad agire sui punti di ancoraggio; nel mio caso allungo lateralmente gli occhi. Inoltre posso lavorare cliccando sia con la freccia bianca o nera sull’icona dei punti di ancoraggio nella barra di controllo, per ammorbidire o creare l’angolo degli occhi del gatto. Seleziono un occhio premendo shift e seleziono anche il secondo occhio ottenendo la selezione multipla dei due oggetti.
Adesso scelgo un cerchio dagli strumenti di sinistra, utilizzo l’oggetto forbici (sotto la gomma), eseguo due click a destra e sinistra del cerchio ( nella tavola di lavoro) e dopo con la freccia nera trascino e stacco i due semicerchi. Uno dei due lo inverto. Entrambi li rendo trasparenti nella barra di controllo e li metto come muso del gatto.
Quindi selezioniamo tutto il gatto con: oggetto -> raggruppa, questo per tenere insieme tutti i pezzi. Se voglio posso separarli di nuovo sempre sotto il menù oggetto.
Importante per quando si riducono gli oggetti: andiamo in: finestra -> trasforma, scegliamo il menù a destra, si aprirà un’altra finestra nella quale sceglieremo: ridimensiona tratti ed effetti. Questo perchè quando riduciamo la figura si devono ridurre in proporzione anche gli spessori delle linee.
Dopo il logo facciamo la parte di lettering. Selezioniamo la “T” nella barra di sinistra, clicchiamo nella tavola di lavoro e con la freccia nera espandiamo il testo. Se invece non clicchiamo nella tavola di lavoro, ma trasciniamo solamente, allora creiamo una gabbia di testo. I righelli impostati inizialmente adesso potranno essere trascinati da sinistra verso destra e viceversa per dare un limite alla larghezza del testo. Questo è quanto per la creazione di “I love cat !!!”.

L'articolo Semplice logo con Adobe Illustrator proviene da Giuseppe Liberati.

Quando impostiamo la nostra fotocamera, la prima cosa che ci domandiamo è quanta luce dobbiamo far entrare nel nostro dispositivo, perchè le fotografie non siano troppo chiare o troppo scure. Per rispondere a questa domanda dobbiamo parlare di “Corretta Esposizione“. La corretta esposizione è la giusta quantità di luce che entra nella nostra fotocamera. Per ottenere la corretta esposizione ci dobbiamo avvalere di tre elementi che formano il “triangolo dell’esposizione“, cioè: il diaframma, l’otturatore e gli iso.

Il diaframma:

Il diaframma è un elemento meccanico presente all’interno dell’obiettivo di ogni fotocamera (reflex, mirrorless, compatta, analogica, ecc), utilizzato per regolare la quantità di luce che va ad impressionare il sensore durante lo scatto. Il diaframma è formato da un numero variabile di lamelle (dipende dall’ottica) montate in modo concentrico (a ventaglio inverso) che aprendosi e chiudendosi allargano o restringono il foro (diametro) all’interno di esso. Questo movimento di apertura e chiusura viene regolato utilizzando la fotocamera in modalità manuale o a priorità di diaframma, attraverso una scala di valori che possiamo trovare sull’obiettivo, nel menù, sullo schermo lcd o sul display della fotocamera, vedi la figura sotto. Ovviamente in modalità automatica sarà l’elettronica della fotocamera a regolare il movimento del diaframmma.

Più alto è il valore numerico, minore è l’apertura del diaframma e minore è la quantità di luce che arriva al sensore. Invece più basso è il valore numerico, maggiore sarà l’apertura del diaframma e di conseguenza maggiore sarà la quantità di luce che arriverà al sensore (vedi figura sotto). Nella scala dei valori (figura sopra), la sigla “f” precede sempre il valore intero o con virgola ed i numeri presenti possono variare a seconda del tipo di obiettivo o per meglio dire a seconda della luminosità dell’obiettivo. In questa scala viene raddoppiato il valore ogni due posizioni.

Gli obiettivi poco luminosi di solito hanno un valore di massima apertura che si aggira intorno a f/4 – f/5.6; quelli con luminosità maggiore ( e quindi più costosi), possono avere la massima apertura a f/2, f/2.8 ma anche di più.

L’otturatore:

L’otturatore è il secondo elemento meccanico presente nel corpo macchina ( tra lo specchietto a 45° ed il sensore nelle reflex o semplicemente davanti al sensore nelle mirrorless) e formato quasi sempre da due tendine con movimento verticale, questo perchè può avere conformazioni diverse. Determina il tempo in cui passa la luce che proviene dal diaframma, stabilendo così la quantità di quest’ultima che arriva al sensore. Si definisce quindi il tempo di scatto come il periodo trascorso tra l’apertura e la chiusura di queste due tendine. Anche per questo elemento può essere definito il tempo di scatto in modalità manuale o in priorità di tempi, attraverso una scala di valori che inizia da sinistra con numeri interi (tempi più lenti), per proseguire verso destra con numeri frazionati (tempi più veloci), vedi figura sotto. Ovviamente in modalità automatica sarà la fotocamera a gestire il movimento dell’otturatore.

Per fare un esempio, quando parliamo di tempi lenti pensiamo a valori come: 5″, 2″, 1″, 1/4 di secondo, 1/16 di secondo, ecc. Quando parliamo di tempi medi facciamo riferimento a valori come: 1/30, 1/60, 1/80, ecc. Per tempi veloci intendiamo invece: 1/125, 1/200, 1/320, ecc. Prendiamo la girandola come unità di misura (vedi figura sotto), possiamo notare che con 1/15 di secondo non riuscirò a congelare il movimento perchè le “tendine” dell’otturatore resteranno per troppo tempo aperte prima di richiudersi e fermare in modo nitido il movimento, con 1/30 comincio a delineare la forma della girandola, infine con 1/125 riesco a congelare il movimento dando una forma nitida all’oggetto.

Questo esempio è importante anche per capire che per fermare il movimento ( congelare) di oggetti con velocità differenti devo modificare i tempi scatto. Infatti 1/125 di secondo mi basterà per congelare la girandola ma non una persona che corre, servirà infatti almeno 1/320 di secondo circa; allo stesso modo per congelare un’auto di F1 servirà almeno 1/1000 di secondo circa.

Aspetti più artistici:

Il diaframma e l’otturatore hanno come compito primario quello di regolare l’esposizione, ma possono essere utilizzati anche per scopi più artistici. Nel caso del diaframma, lavorando con aperture importanti (f/1.8, f/2, f/2.8) riusciremo a rendere lo sfondo delle nostre fotografie più sfocato, isolando un eventuale soggetto messo a fuoco in primo piano (minore profondità di campo). Questo ovviamente dipenderà anche dalla distanza del fotografo dal soggetto (con il fotografo più vicino al soggetto, lo sfondo sarà più sfocato e la profondità di campo molto ridotta; con il  fotografo più lontano dal soggetto lo sfondo sarà più nitido e la profondità di campo maggiore). Lavorando invece con un diaframma di diametro più chiuso (f/8, f/11, f/16) riusciremo a rendere lo sfondo delle nostre fotografie più nitido, mettendo a fuoco sia l’eventuale soggetto in primo piano che lo sfondo (maggiore profondità di campo). Anche in questo caso dipenderà dalla distanza del fotografo dal soggetto. Verrà trattato interamente un articolo sulla profondità di campo (PDC).

Nel caso dell’otturatore invece se lavoriamo con tempi più veloci (1/200, 1/400, 1/600) possiamo congelare il movimento di un soggetto, questo perchè le tendine si apriranno e si chiuderanno più velocemente, esponendo per minor tempo il sensore alla luce ( in questo caso ricordiamoci di controbilanciare con la giusta apertura del diaframma per la teoria del rapporto di reciprocità), ovviamente il tempo utilizzato dovrà essere calibrato alla velocità del nostro soggetto, perchè per congelare il movimento di una persona utilizzeremo un tempo che sarà diverso da quello utilizzato per congelare un veicolo a motore. Se invece lavoriamo con tempi più lenti (1/10, 1/30, 1/50), la foto non risulterà congelata, perchè le tendine dell’otturatore si apriranno e si chiuderanno più lentamente, esponendo per maggior tempo il sensore alla luce.

Gli iso:

Gli iso sono il terzo elemento che costituisce il triangolo dell’esposizione. Servono ad amplificare la luce che il sensore percepisce. Dove la luce ambiente è scarsa possiamo alzare i valori iso e amplificarla. Anche in questo caso esiste una scala di valori (vedi figura sotto), che possiamo regolare in modalità manuale. Però maggiore è il valore degli iso che impostiamo nella fotocamera e maggiore è il disturbo ( o rumore elettrico) che introduciamo nella nostra fotocamera.

Il rumore si manifesta nelle fotografie quando superiamo circa la metà della nostra scala di valori, ottenendo principalmente perdita di nitidezza, sgranature, disturbo, macchioline colorate visibili soprattutto nelle aree più scure. Con condizioni di luce normali si impostano bassi valori di iso come: 50, 100 o 200. I valori presenti variano a seconda del tipo di fotocamera.

Gli Stop:

Parlare di esposizione vuol dire parlare di luce e quindi è importante quantificarla attraverso una terminologia comune a tutti i fotografi, per questo utilizziamo il termine: STOP.

Facciamo un esempio:

• siamo in una stanza dove sono accese due lampadine della stessa potenza.
• se ci servisse il doppio della luce nella stanza accenderemmo altre due lampadine,raddoppiando la luce nella stanza, in fotografia si  dice che abbiamo aumentato di uno stop di luce, ovvero abbiamo raddoppiato la luce presente.
• tornando ad avere solo due lampadine accese, se vogliamo dimezzare la luce nella stanza, ci basterà solo spegnere una lampadina ed in fotografia diciamo che abbiamo tolto uno stop di luce.

Quindi il concetto di stop lo possiamo applicare intanto ai due strumenti che abbiamo visto e che controllano la luce: il diaframma e l’otturatore. Facciamo il primo esempio con i tempi di otturazione:

Inizialmente prendiamo una fotografia scattata con un tempo di otturazione di 1/800, se vogliamo raddoppiare la luce ci basta allungare il tempo con il doppio del valore, ovvero 1/400, in questo caso abbiamo aumentato di 1 stop. Se vogliamo dimezzare invece la luce della scena da 1/800 passiamo a 1/1600, in questo caso abbiamo diminuito di 1 stop.

Lo stesso concetto lo possiamo applicare al diaframma:

Prendiamo una fotografia scattata con diaframma f/5.6. Se vogliamo aumentare di 1 stop dobbiamo prendere il valore di diaframma seguente più aperto, cioè f/4. Viceversa per scattare a -1 stop dobbiamo considerare il valore di diaframma seguente più chiuso, cioè f/8.

Ovviamente il concetto di stop può essere rapportato anche allo strumento degli iso e ad altre scale di valori che vedremo più avanti.

Rapporto di reciprocità:

La legge di reciprocità ci dice che, se che chiudiamo il diaframma di 1 stop, per riottenere un’esposizione corretta occorre compensare l’attenuazione della luce raddoppiando il tempo di esposizione, quindi è inversamente proporzionale, vedi figura sotto:

Ad esempio se ho un’esposizione di f/4 e 1/250 di secondo e devo spostarmi a f/2.8 mi troverò ad avere una foto sovraesposta se non trovo un nuovo equilibrio espositivo, questo lo posso fare spostando il valore dei tempi di scatto a 1/500 di secondo. Di solito questi spostamenti vengono fatti per motivi legati alla profondità di campo che vedremo più avanti.

L’esposimetro

E’ uno strumento molto utile che possiamo utilizzare prima dello scatto per capire se la nostra fotografia è esposta correttamente.

L’esposimetro è uno strumento capace di misurare la quantità di luce riflessa presente nella scena che vogliamo fotografare e di calcolare la corretta esposizione. (Infatti cambiando inquadratura, cambia anche la luce). Impostando la nostra fotocamera in modalità manuale possiamo vedere l’esposimetro in azione. Possiamo trovarlo nel display della fotocamera o nel mirino come una scala graduata dove è presente un cursore mobile che oscilla tra lo zero di riferimento e valori positivi e negativi. Modificando il tempo di esposizione e/o il diaframma vedremo che questo cursore si sposta. Per ottenere una corretta esposizione prima dello scatto è necessario effettuare delle modifiche sulle ghiere di tempi e/o diaframma per far posizionare il cursore sullo zero. Se vogliamo ottenere una foto più scura o più chiara posizioniamo il cursore su valori positivi o negativi. I numeri che visualizziamo nella scala sono anche in questo caso stop, vedi la figura sotto.

Ma l’esposimetro può essere utilizzato anche quando lavoriamo con priorità di tempi o di diaframma. Nel primo caso  lavoriamo manualmente con i tempi di scatto (S o Tv sulla rotella del corpo macchina), l’esposimetro calcolerà per noi il controvalore di diaframma e viceversa quando lavoriamo manualmente con il diaframma (A o Av sulla rotella del corpo macchina), l’esposimetro ci darà il corretto valore di tempo (vedi figura sotto).

Ricordiamo però che l’esposimetro rileva solo il 18% della luce riflessa ( cioè il grigio medio), perciò porterà tutta la nostra scena ed in special modo le zone più chiare e più scure verso una tonalità di grigio medio. Questo va bene quasi sempre. Ci sono casi in cui non va bene, ad esempio quando fotografiamo un abito della sposa, la neve, ecc, dobbiamo quindi intervenire utilizzando uno strumento presente nelle nostre fotocamere, cioè la compensazione fotografica (vedi figura sotto).

Nella tecnica fotografica, compensare l’esposizione vuol dire dunque aumentare o sottrarre la luce modificando i parametri proposti dagli algoritmi dell’esposimetro. Per fare questo è necessario tenere premuto il pulsante e ruotare una delle ghiere della fotocamera per aumentare o diminuire la luminosità alla scena. Anche in questo caso agiremo su una scala di valori positivi e negativi, andando ad aumentare o diminuire gli stop e nel caso della neve dare di nuovo il color bianco pastoso di essa. Al termine della sessione di scatti è importante ricordarsi di riportare il valore della scala a zero, perchè non viene fatto in automatico a fotocamera spenta.

L’istogramma:

L’istogramma è invece uno strumento che possiamo utilizzare dopo lo scatto per capire se l’immagine è stata ripresa correttamente. Lo possiamo trovare tra le funzioni del cursore presente sul corpo macchina, nel menù o all’interno del programma di postproduzione. Tale grafico dovrebbe avere l’andamento di una campana con una parte centrale più alta ( grafico convesso) quando la foto è stata scattata correttamente. Dovrebbe avere una bassa percentuale di zone scure a sinistra, una buona percentuale di mezzi toni nella parte centrale ed un’altra bassa percentuale di zone chiare a destra.  Questo non è sempre così. Possiamo ottenerlo spostato a sinistra e questo vuol dire che la foto è sottoesposta, oppure a destra e questo vuol dire che la foto è sovraesposta. Alle volte è una campana rovesciata ( grafico concavo), cioè siamo in presenza di una percentuale bassa di mezzi toni (vedi la figura sotto).

Matrix, media ponderata, spot:

Altre tre funzioni importanti presenti nelle fotocamere per il calcolo dell’esposizione sono: la modalità matrix con la quale l’esposimetro calcola la corretta l’esposizione su quasi tutta la scena inquadrata, la modalità media ponderata con la quale viene misura la corretta esposizione su quasi tutta la scena ma in particolar modo nella parte centrale ed infine la modalità spot con la quale abbiamo un calcolo solo in una parte centrale del fotogramma.

Filtri ND:

Il filtro Neutral Density (ND) ha la funzione di ridurre la quantità di luce che entra nell’obiettivo. In questo modo è possibile fare lunghe esposizioni ( allungare i tempi di scatto) anche in ambienti luminosi. I filtri Neutral Density, come dice il nome, sono filtri neutrali, che non incidono sulle qualità cromatiche e sui colori della realtà che andate fotografando. Sarà necessario posizionare anche la fotocamera sul cavalletto e magari scattare da remoto con un telecomando per evitare il micromosso.

I 3 filtri ND più comuni sono da 3 – 6 e 10 Stop.

ES: Filtro ND da 3 Stop: riduce la luce 8 volte, quindi dobbiamo moltiplicare il tempo di scatto per 8 dopo aver inserito il filtro. Non è adatto a scatti con sole alto, ma preferibilmente dal tardo pomeriggio alla sera o dopo tramonto. Nel pomeriggio inoltrato è utile per allungare i tempi a sufficienza per rendere un leggero movimento nelle onde, senza rendere tutto il mare setoso. Dopo il tramonto o con luce molto bassa, invece, può permettere di scattare anche 1-2 minuti o più di esposizione. Inoltre viene anche usato per foto a ruscelli o cascate, soprattutto nel sottobosco dove la luce è già poca. In questi casi è preferibile lavorare con priorità di tempi, lasciando il compito di gestire il diaframma all’elettronica della fotocamera. Se vogliamo lavorare in manuale dobbiamo regolare il diaframma a seconda di quello che vogliamo fotografare, ad esempio per fotografare un paesaggio è preferibile avere un diaframma abbastanza chiuso (f/8) ed ovviamente tenere gli iso bassi.

Esempio tabella di riduzione luce/stop:

Questi filtri hanno molti utilizzi  “creativi”. Oltre all’acqua setosa potete utilizzarli per tantissime altre situazioni dove le lunghe esposizioni possono darvi particolari effetti come la sfumatura sul movimento delle nuvole, l’effetto di movimento di persone in una piazza o in una via cittadina, il movimento delle macchine in una strada, e molto altro ancora ( vedi foto sotto).

Prima di utilizzare un filtro ND è buona regola calcolare la corretta esposizione e poi ( per chi ha poca pratica), fare un breve calcolo:

ND 256 = – 8 stop  (riduzione di luminosità 256 volte, valore presente sulla confezione del filtro).

1/60 di secondo ( il nostro tempo di scatto prima di montare il filtro)

1:60 = 0,016 ( effettuo la divisione del tempo)

0,016 x 256 = 4,26 ( moltiplico il risultato a 256 ed ottengo il tempo di scatto da utilizzare con il filtro montato)

Conclusioni:

Queste sono le principali regole per esporre correttamente una fotografia, adesso si tratta di metterle in pratica. Le prime volte sembrerà tutto complicato e dovremo riflettere su quello che stiamo facendo, ma l’ostinazione e la passione ci porterà quanto prima a velocizzarci, ottenendo dei buoni risultati. E’ chiaro che una volta conosciute bene le regole inizierà la parte più divertente…..trasgredire quanto appena detto per lasciare libera la nostra creatività !

L'articolo La corretta esposizione proviene da Giuseppe Liberati.

L'articolo Gli schemi di luce proviene da Giuseppe Liberati.

Quasi tutte le fotocamere sono dotate di un piccolo flash interno, che può essere utilizzato quando le condizioni di luce non sono il massimo. A meno che non stiamo lavorando in automatico, il flash può essere azionato in manuale, con priorità di diaframma, con priorità di tempi e program (M,A,S,P).

Una volta aver impostato i tempi di esposizione, il diaframma e la sensibilità iso, se abbiamo bisogno di più luce, premiamo il pulsante accanto al flash integrato (come nella figura 1) e quest’ultimo scatterà verso l’alto pronto per essere utilizzato in fase di scatto.

figura 2

A questo punto possiamo anche aumentare o diminuire l’intensità del flash agendo sul pulsante “di compensazione dell’esposizione” e ruotando la ghiera principale, (come nella figura 2).

Uno dei grossi difetti del flash integrato è che esso non può essere orientato o separato dalla fotocamera, creando a volte delle ombre innaturali sulle pareti. Spesso si ottengono foto migliori quando la luce non proviene dalla direzione frontale, per questo viene utilizzato il flash esterno.

IL FLASH ESTERNO ( O A SLITTA)

Rispetto al flash integrato, il flash esterno ha parecchi vantaggi:

  è più potente,

  è orientabile,

 e più lontano dall’obiettivo,

 ha molte più impostazioni su cui si può agire

 produce una luce di dimensione maggiore.

Ne esistono modelli per tutte le tasche, procurarsene uno di qualità è anche più economico che comprare un nuovo obiettivo.

Il flash esterno montato sulla fotocamera, impostato in automatico e puntato dritto contro il soggetto, non sarà molto d’aiuto. Ci sono invece tre tecniche che puoi usare per avere maggiore controllo ed usarlo efficacemente per migliorare i tuoi scatti:

• correggere la potenza attraverso la compensazione dell’esposizione.

• far rimbalzare il lampo del flash su una superficie vicina.

• usare il flash separato dalla fotocamera (combinando eventualmente con le tecniche elencate sopra).

Correggere la potenza del flash:

La prima cosa che devi tenere presente è la possibilità di compensare l’esposizione del flash . Tra l’altro, come abbiamo visto, ciò è possibile anche sul flash incorporato (integrato).
Generalmente la compensazione dell’esposizione va da +3 EV a -3 EV, ad intervalli di 1/3 EV. Quando punti il flash direttamente verso il soggetto e ti accorgi che questo pare troppo illuminato, la prima cosa che puoi provare è ridurre la potenza del lampo , ovvero usare una compensazione dell’esposizione negativa. Già solo questa correzione garantisce buoni risultati.

Far rimbalzare il lampo del flash:

Puntare direttamente la luce contro il soggetto in molti casi è una brutta idea. Entra quindi in gioco la possibilità di orientare la testa del flash , cosa non possibile con un flash integrato.

Orientando la testa del flash esterno, puoi fare in modo che la luce colpisca non il soggetto ma una superficie vicina, venendo riflessa e poi raggiungendo il soggetto con un effetto più diffuso. Una luce più diffusa è generalmente più piacevole e garantisce ombre più morbide (vedi figura sotto):

Può essere utilizzato come diffusore anche un piccolo cartoncino bianco interno al flash. Lo si può estrarre dalla parte superiore della testa di molti flash. Solitamente, viene usato inclinando la testa del flash verso l’alto. In questo modo il lampo generato dal flash colpisce il cartoncino, viene riflesso e diffuso, e poi raggiunge il soggetto davanti alla fotocamera.

Seppur piccolo, questo rettangolo bianco si rivela estremamente utile. Se il flash in tuo possesso non lo include, lo puoi sostituire facilmente con un qualsiasi cartoncino bianco che puoi attaccare col nastro adesivo sopra la testa del flash o con un economico diffusore di plastica da posizionare sul flash.

Nelle foto sotto due esempi: sopra uno scatto utilizzando il flash integrato frontale e sotto un flash esterno orientato sul soffitto con effetto diffuso della luce.

Nella foto a sopra, utilizzando un flash frontale integrato, gli angioletti sono molto illuminati e lo sfondo è scuro. Nella foto sotto, utilizzando un flash esterno ed orientabile, tutta la scena è illuminata uniformemente senza alte luci concentrate, grazie ad una corretta diffusione della luce.

Come puoi immaginare, le caratteristiche della superficie riflettente influiscono sulla qualità della luce. In particolare:

• più lontana è la superficie dal soggetto, più diffusa risulterà la luce.

• colori chiari riflettono più luce, quindi sono da preferire.

• colori neutri(bianco) riflettono una luce più naturale, quindi sono da preferire.

• superfici lucide riflettono una maggiore quantità di luce rispetto a quelle opache.

Ricordati sempre che riflettere la luce comporta una perdita di potenza . Quindi, in molti casi ti sarà necessario usare una compensazione dell’esposizione del flash positiva. Maggiore è la distanza del flash dalla superficie riflettente e della superficie dal soggetto, maggiore sarà la compensazione necessaria.

Usare il flash separato dalla fotocamera:

Il flash esterno può essere usato attaccato alla fotocamera, altrimenti puo’ anche essere usato staccato da quest’ultima, per creare effetti particolari. In questo secondo caso la fotocamera dialogherà con il flash attraverso ricetrasmittenti.

Flash automatico e manuale:

I metodi di base per ottenete una corretta esposizione con il flash sono due, automatico (TTL) e manuale: vediamoli nel dettaglio.

Metodo automatico (TTL): sappiamo che l’esposizione consiste nel regolare nel modo più opportuno l’apertura del diaframma, il tempo di esposizione e le iso. Utilizzando il flash si introduce un’altra variabile da tenere di conto nelle misurazioni. 

La funzione TTL, letteralmente Through the lens – attraverso la lente, permette di impostare il flash in modalità automatica. Una volta impostata la macchina e il flash in TTL, non dovrai più preoccuparti della corretta illuminazione poiché la macchina fotografica e il flash, montato sulla slitta, comunicano tra di loro.

Al momento dello scatto, il flash eroga un lampo che viene riflesso dal soggetto per poi essere misurato da un’apposita cellula fotoelettrica. Così, in base alla sensibilità ISO e alla distanza dal soggetto, l’emissione del lampo viene interrotta non appena è raggiunta la quantità di luce necessaria per una corretta illuminazione.

In modalità TTL è comunque possibile agire sulla compensazione della potenza del flash.

Metodo manuale: I flash, oltre che funzionare in modalità automatica, tramite il sistema TTL, presentano anche la modalità manuale: questa permette di impostare manualmente la potenza del flash. In questo caso esso agirà indipendentemente dalle impostazioni della macchina fotografica, la quale avrà solo il compito di comunicare al flash di illuminare al momento dello scatto: non verrà trasmessa nessuna informazione aggiuntiva.

La potenza del flash si misura in frazioni: 1/1 è la piena potenza, il valore va poi dimezzandosi, riducendo della metà anche la potenza della luce: 1/2 – 1/4 – 1/8 – 1/16 – 1/32 – 1/64 – 1/128.

Un altro elemento importante è il numero guida (NG). Il numero guida indica la potenza del flash. In generale, maggiore è il numero guida, maggiore sarà la potenza del flash e di conseguenza maggiore la distanza che il lampo del flash potrà coprire. E’ possibile conoscere il numero guida del nostro flash guardando il libretto delle istruzioni o attraverso una ricerca su internet.
I parametri per impostare il flash in manuale sono:

– NUMERO GUIDA

– ISO

– POTENZA FLASH

– DISTANZA DAL SOGGETTO/OGGETTO

– DIAFRAMMA

Adesso dobbiamo solo capire con quale diaframma fotografare, visto che i tempi di esposizione non sono importanti perché non influiscono sull’esposizione del flash, dovro’ scattare con il tempo di sincronizzazione della fotocamera, impostando da menù 1/25 o 1/250. (Anche perché se scatto ad esempio a 1/80 o ad 1/125 la luce del flash all’interno della mia immagine non cambia).

Facciamo degli esempi:

1. NG = 44  ISO = 100  POT = 1/1  METRI = 4

(NG) 44 / (METRI) 4 = (DIAFRAMMA)11

Il diaframma quindi è l’unica incognita che ricaviamo da: NG, ISO, POTENZA e METRI.

Se vogliamo scattare con un flash ad una potenza più bassa ad esempio ½, vuol dire che ho tolto uno stop di luce al flash e devo recuperare uno stop di luce con il diaframma, portando quest’ultimo a 8.

Se vogliamo scattare con un flash ad una potenza più bassa ancora ad esempio 1/4, vuol dire che ho tolto due stop di luce al flash e devo recuperare due stop di luce con il diaframma, portando quest’ultimo a 5,6.

Se invece voglio modificare la sensibilità ISO portandola a 200, fotografando sempre con il diaframma a 5,6, avrò recuperato uno stop con la sensibilità, ma dovrò togliere uno stop con il flash portandolo a 1/8.

Importante in tutto questo è ricordare la scala dei diaframmi:

Inoltre è importante anche ricordare il concetto di stop:

In pratica “aumentare di uno stop” significa raddoppiare la quantità luce che raggiunge il sensore, cioè spostarmi di una posizione nella scala dei diaframmi, tempi o ISO verso l’apertura di luce. “Diminuire di uno stop” significa dimezzare la quantità della luce che raggiunge il sensore, cioè spostarmi di una posizione nella scala dei diaframmi, tempi o ISO verso la chiusura di luce. Aumentare di due stop significa quadruplicare la luce che raggiunge il sensore, diminuire di due stop significa ridurre ad un quarto la luce che raggiunge il sensore. Seguendo la scala dei diaframmi (figura sopra), se da f/5,6 passiamo a f/8 vuol dire che diminuiamo di uno stop e dimezziamo la quantità di luce che entra nel diaframma.

Il concetto di stop può essere rapportato, oltre alla scala dei diaframma, anche a quella dei tempi di esposizione, a quella della sensibilità ISO e della potenza del flash

L'articolo IL flash proviene da Giuseppe Liberati.

Per luce si intende quella radiazione elettromagnetica che, entrando nell’occhio viene tradotta in inpulsi nervosi e produce una sensazione visiva. 
 
Il campo delle radiazioni elettromagnetiche è molto più ampio ma solo una porzione limitata di queste onde viene riconosciuta ed interpretata dall’occhio. In natura esistono le radiazioni elettromagnetiche, che non sono altro che un trasferimento di energia sotto forma di onde elettromagnetiche e con una frequenza. Le radiazioni elettromagnetiche vengono rappresentate all’interno di uno spettro elettromagnetico con diverse lunghezze d’onda. Ad esempio:

All’interno dello spettro elettromagnetico è presente un piccolissimo segmento appartenente al cosiddetto spettro visibile, cioè l’insieme delle lunghezze d’onda a cui l’occhio umano è sensibile (luce visibile dall’occhio umano, cioè la luce bianca, cioè la luce del sole) e che sono alla base della percezione dei colori. In linea di massima, comunque, esso si trova tra i 400 e i 700/750 nanometri (unità di misura delle lunghezze d’onda): alle lunghezze d’onda maggiori corrispondono la gamma cromatica dei rossi, alle lunghezze d’onda minori corrispondono invece la gamma del blu-violetto.

Nel 1676 Newton dimostrò (in maniera empirica) come la luce bianca fosse composta da sette colori fondamentali (rosso, arancio, giallo, verde, blu, indaco, viola). E fu grazie a questa scoperta che si aprì la vera e propria era del “colore” con la scoperta di altri importanti principi quale quello dei colori complementari.

Ma cos’è il colore ? Il colore è un fenomeno relativo alla capacità dell’occhio umano di percepire le diverse lunghezze d’onda, ovvero delle radiazioni. Ad ogni lunghezza d’onda percepibile il nostro cervello associa un differente colore. In questo range, il nostro cervello associa i colori che variano dal violetto fino al rosso. Al di sotto ed al di sopra esistono ovviamente altre lunghezze d’onda che al nostro occhio sono invisibili (come le radiazioni emesse dai cellulari, dai router WiFi, dai satelliti e via discorrendo).

Quando si parla di colore nel mondo della fotografia digitale, entrano in gioco i cosiddetti due sistemi  di colori primari RGB e CMYK. Queste sigle infatti non sono altro che  acronimi formati dalle iniziali rispettivamente dei tre colori primari additivi e dei tre colori primari sottrattivi: RED(rosso), GREEN(verde) e BLUE(blu) nel primo sistema e  CIANO, GIALLO e MAGENTA nel secondo sistema. Si definiscono colori primari quei colori che  non si possono ottenere dalla combinazione di altri colori. I colori del sistema “additivo” RGB furono definiti appunto primari quando fu scoperto che, combinandoli opportunamente tra loro con dosi diverse, erano in grado di formare tutti gli altri colori dello spettro visivo. Se sovrapponiamo tutti e tre questi colori otteniamo la luce bianca.
I tre colori rosso, verde, blu sono i tre colori usati da fotocamere digitali, monitor e scanner per visualizzare e registrare le immagini. Le immagini digitali adottano quindi spesso il metodo RGB, ma possono essere convertite in altri metodi di colore via software. 
Invece il sistema CMYK indica un altro modello di colori che prende anche il nome di (Key black). Questo sistema viene utilizzato dalle tipografie tradizionali così come da quelle online. Si tratta di un sistema “sottrattivo”, che lavora dunque in maniera opposta rispetto al metodo RGB. E’ conosciuto come sistema sottrattivo, perché quando questi colori si sovrappongono danno origine al colore nero

RGB (Metodo additivo), CMYK (Metodo sottrattivo)

.Anche in pittura il modello di mescolanza di riferimento è quello sottrattivo, l’insieme di primari a cui si fa riferimento tradizionalmente è quello composto da giallo, magenta e ciano.  I COLORI SECONDARI derivano dalla mescolanza, in eguali quantità, di 2 colori primari del sistema additivo o sottrattivo.
 
Es. sistema additivo e sottrattivo: ogni coppia di colori primari genera un colore secondario.

• rosso + verde = giallo                                 giallo + ciano = verde
• rosso + blu = magenta                                magenta + ciano = blu
• verde + blu = ciano                                     giallo + magenta = rosso
   

I COLORI COMPLEMENTARI di un dato colore sono quelli opposti nella ruota cromatica:

•  il colore complementare del giallo è il viola e viceversa 
•      il colore complementare del rosso è il verde e viceversa 
•      il colore complementare del blu è l’arancio e viceversa

Il risultato dalla combinazione di primari e secondari sono i colori terziari. 
 
Ovviamente, cambiando la “dose” di colore nelle varie combinazioni, saremo in grado di ottenere tutti gli altri colori. E’ un po’ come se usassimo dei tubetti di colore e li mescolassimo tra loro. Unendo i colori il risultato finale cambierebbe a seconda della quantità di singolo colore utilizzata.
 
Con l’arrivo dell’informatica, il metodo con cui “mescolare” tra loro questi tre colori, fu riportato in termini “digitali” ed è stato definito che ogni singolo colore può essere dosato utilizzando un valore compreso tra 0 (colore assente) e 255 (100% del colore). Senza scendere troppo nel dettaglio del significato di questa scala di valori, ritorniamo all’esempio dei tubetti; a questo punto si può dire che, se per ipotesi volessimo ottenere una certa tonalità di viola, sarà necessario usare il giusto mix di colori e, in particolare, 100 di rosso, 20 di verde e 100 di blu. Si capisce facilmente che, cambiando il “dosaggio” dei singoli colori, possiamo ottenere tantissime combinazioni di colori.

Psicologia del colore:

Comunemente, si considerano i colori come generatori di emozioni. Ciascuna persona ha un modo di vivere le emozioni e gli affetti, e conseguentemente interpreta in maniera diversa i colori, anche se esistono regole ben precise e  vengono effettuate scelte cromatiche in contesti fotografici differenti per trasmettere determinate sensazioni. (come in scene di guerra, durante un festeggiamento, ecc)

I colori giocano un ruolo fondamentale nella composizione di una scena, anche perché hanno una loro simbologia e dei significati molto differenti tra di loro. Ad esempio il rosso viene comunemente associato alla passione, alla sensualità e alla fierezza. Il giallo è il colore del carattere solare, dell’illuminazione e rimanda alla radiosità che risveglia e dà calore. Il verde è il colore di Madre Natura; gli amanti del verde possono essere volubili. Il blu è il colore del cielo ed è un colore estremamente calmante.

Colori caldi e colori freddi:

I colori caldi suggeriscono calore e sembrano muoversi verso lo spettatore, per questo sembrando più vicini, vengono utilizzati per il primo piano o per mettere in risalto il punto focale (soggetto o oggetto di maggior importanza nella fotografia). I colori caldi sono: rosso, arancio e giallo.

I colori freddi invece suggeriscono freddezza e sembrano allontanarsi dallo spettatore. Per questo vengono utilizzati per il secondo piano di una fotografia o per lo sfondo. I colori freddi sono ad esempio, blu e verde. (Un esempio è la prospettiva aerea, con la quale riesco a simulare una profondità nella scena, attraverso la riduzione graduale dell’intensità cromatica).

Armonia dei colori.

Quando si scatta una foto o si compone un quadro, è fondamentale, proprio per questo tipo di visione dei colori, scegliere degli accostamenti “giusti”. E’ necessario fare in modo che i colori siano armonici o, al contrario, totalmente disarmonici in modo da giocare con le forti differenze cromatiche. Utilizzando questi colori insieme nelle nostre composizioni, siamo in grado di fornire una piacevole, o almeno complementare, combinazione di colori. Ovviamente entra in gioco il gusto personale, quindi non tutti troveranno queste combinazioni di colore universalmente piacevoli, ma questa è la teoria. Quando si usano insieme due complementari, con il loro contrasto, si può attirare l’attenzione dello spettatore.

Colori complementari e colori contigui.

Molti fotografi utilizzano i colori complementari per migliorare la composizione o sottolinearne qualche aspetto. Un arancione luminoso e il tramonto rosso che sfuma nel cielo indaco dai toni profondi, ad esempio, possono aggiungere grande drammaticità ed atmosfera a tutta la composizione.

Come abbiamo già anticipato, se in una fotografia sono presenti due colori complementari, disposti sui lati opposti della ruota, ad esempio rosso-verde, si accentua notevolmente il senso di contrasto. Se invece sono sono presenti due colori contigui, come blu e verde, si ottiene un senso maggiore di armonia, favorito dall’affinità tra i colori.

Quando sono accostati due colori complementari, quello che attira maggiormente l’attenzione, di solito, è il colore più caldo. Si osservi l’interno del limone nella fotografia sotto:

Colori complementari

L’accostamento di colori contigui genera nell’osservatore un senso di tranquillità e armonia. Soffermiamoci sull’ immagine sotto con due colori tra loro contigui: rosa e arancio, l’immagine appare armoniosa e riposante, anche perché le tonalità dei colori, sebbene abbastanza sature, hanno un livello di “contrasto cromatico” piuttosto basso.

Comunemente, si considerano i colori come generatori di emozioni. Ciascuna persona ha un modo personale di vivere le emozioni e gli affetti, e conseguentemente interpreta in maniera diversa i colori, anche se esistono regole ben precise.
 
 

L'articolo Il colore proviene da Giuseppe Liberati.

Quando acquistiamo una fotocamera, una delle più importanti caratteristiche è senza dubbio la risoluzione. Sicuramente questo è un argomento abbastanza semplice, ma quando cerchiamo di capire in termini pratici di che cosa si tratti, si apre un ventaglio di teorie molto fantasiose.

Iniziamo a parlare intanto del sensore che ogni fotocamera ha montato nel suo interno. Il sensore è l’elemento fotosensibile sul quale arrivano tutte le informazioni sotto forma di luce e che vengono salvate, quando scattiamo una fotografia, in una scheda di memoria. Più grande è il sensore più pixel (elementi fotosensibili) ci sono nel suo interno. I pixel definisco la risoluzione di un sensore, più sono numerosi più il sensore avrà una alta risoluzione.

Sensore

Per risoluzione si intende la qualità dello scatto in termini di nitidezza. Più pixel avrà il sensore della fotocamera, più la fotografia sarà leggibile, meno sgranata e con maggiore risoluzione. Per calcolare la risoluzione di un sensore basta solamente moltiplicare le due dimensioni, cioè il numero di pixel della base con il numero di pixel dell’altezza, ottenendo la risoluzione massima del sensore e quindi anche della fotografia prodotta.

Numero di pixel sulla base e sull’altezza del sensore

Ad esempio se moltiplichiamo1536 x 2048 pixel ( numero di pixel sulla base e sull’altezza di un ipotetico sensore), otteniamo la sua totale risoluzione. E così via per gli altri valori indicati nella foto sopra. Ad esempio un sensore di 12 milioni di pixel (o mega pixel) avrà sulla base 4 milioni di pixel e sull’altezza 3 milioni di pixel, il risultato sarà un sensore con 12 milioni di pixel.

Il numero di pixel di cui è composta l’immagine vincolerà le dimensioni di stampa e di conseguenza anche i dettagli.

Parlando di risoluzione adesso vediamo due unità di misura, PPI e DPI:

•  PPI (pixel per inch), indica la risoluzione del monitor, dicendoci quanti pixel ci sono per ogni pollice (1 pollice = 2,54 cm). PPI da 72 a 400.
• DPI (dots per inch), indica la densità dei punti stampati su una linea lunga 1 pollice. DPI = da 250 a 300.

Per avere una stampa di buona qualità, avendo le due dimensioni della foto di: 2480 x 3508 pixel = 8.699.840, possiamo stampare il file fino a 21 cm x 29,7 cm (foglio A4), mantenendo il DPI a 300. Ma vediamo la tabella di riferimento sotto:

Prendendo in riferimento l’ultima riga, abbiamo un sensore con una risoluzione massima di 20 Megapixel. La fotografia prodotta avrà 300 DPI e perciò potrà essere stampata con una dimensione massima di 47 x 30 cm. Se invece avessimo la stessa fotografia ma con 150 DPI, dovremmo stampare con una dimensione inferiore di 90 x 62 cm. Questo perché se provassimo a stampare la nostra fotografia con 150 DPI con le dimensioni precedenti, cioè 47 x 30 cm, avremmo una perdita dei dettagli ed una foto sgranata, questo perché i punti di stampa dovrebbero distribuirsi in una superficie maggiore.

 Perciò in conclusione possiamo dire che maggiore risoluzione vuol dire maggiore dimensione di stampa e maggiore definizione dei particolari, tenendo presente che il DPI deve essere sempre a 300 per garantire che la stampante riempia con il massimo di punti di inchiostro ogni segmento di 2,54 cm ( pollice). Se invece abbiamo solo la necessità di visualizzare a monitor tale fotografia, allora entrerà in gioco il PPI. Con tale valore viene calcolata la risoluzione del monitor, cioè i pixel presenti in ogni pollice del monitor, che ci restituiranno una visione della foto più o meno definita.

L'articolo La risoluzione delle fotocamere, ppi e dpi. proviene da Giuseppe Liberati.